Hola a tod@s:
Abro este hilo para que participemos todos, especialmente los veteranos que tienen más experiencia, porque de experiencia se trata.
La ESCUELA siempre me ha parecido un lugar del foro desaprovechado, donde muy de vez en cuando algún compañero o compañera se toma la molestia de subir una información más o menos detallada sobre un tema.
La idea es que la convirtamos en un lugar donde subamos breves apuntes de los conocimientos que hemos ido adquiriendo con la práctica o con el estudio y que aportan una información extra o resuelven problemas que alguna vez tuvimos y supimos o nos dijeron cómo solucionarlos. Subrayo lo de breves porque se trata de consejos, no de lecciones magistrales. A estos breves apuntes los he llamado PERLAS, para evitar en anglicismo tips.
Las perlas pueden tratar sobre cualquier aspecto de la fotografía: técnica, edición, composición, encuadre, teoría del color, utilidad de un aditamento, iluminación, etc. Y no es necesario que sean perlas muy sesudas, las que pensamos que son evidentes para nosotros pueden no serlo para otros.
A cada perla le podemos poner un breve título en mayúsculas, lo más representativo posible del tema y numerarla siguiendo correlativamente el número de la última perla subida. De esta manera será fácil identificar la que nos puede interesar por si alguien quiere aclaraciones sobre ella.
No hay límite de perlas, así que podéis subir las que queráis siempre y cuando no sean una repetición de una ya expuesta. Es importante que no nos repitamos y, en la medida de lo posible, no nos extendamos en las aclaraciones que podamos poner a una perla subida por otro compañero, de esta forma evitaremos que el hilo sea un lugar de debate y no de información, como pretende ser. Por eso es importante ser lo más breve y preciso posible en nuestra exposición. También podemos añadir a una determinada perla subida por otro, algo que consideremos que la complementa: en ese caso la numeraríamos con el número de la perla comentada y otro para diferenciarla. Vgr/ 1.1 y después 1.2. El primer número haría referencia a la perla original y el segundo a la aclaración o versión de la misma.
Si es necesario ilustrarla con fotos (mejor evitarlo salvo que sea muy representativo) tendréis que someteros a las normas del foro para el número de imágenes al día que pueden subir cada uno.
Por cierto, para diferenciar claramente las PERLAS de los comentarios u observaciones que se vayan haciendo, ponedlas en NEGRITA y así podremos recorrer el hilo identificándolas fácilmente.
Y no olvidéis seguir la numeración correlativa de la última perla editada.
1. RETRATO A CONTRALUZ + FLASH (cuando queremos hacer un retrato a contraluz y vamos a usar el flash, mediremos la luz ambiente de detrás del sujeto y la subexpondremos ligeramente y, manteniendo esa exposición en la cámara, con el flash iluminaremos al sujeto a nuestro gusto. De esta manera quedará el sujeto correctamente expuesto y con un ligero protagonismo lumínico respecto al fondo, que también estará expuesto a nuestro gusto. Por supuesto, si no queremos que haya diferente iluminación entre el fondo y el sujeto, no subexpondremos los valores tomados para el fondo, igualando ambas fuentes de luz en intensidad).
2. PREVISUALIZACIÓN (Cuando lo mas importante es “ver”, antes de presionar el obturador). Conceptualmente se refiere a “ver” la imagen antes de capturarla en nuestros sensores. Algunos autores consideran que la interpretación artística se inicia justo en ese momento; sin esa parte solo es intuición, inspiración o suerte. No es garantía alguna de que la foto sea espléndida, pero sabrás en el mismo momento que la veas… dónde te has equivocado. Una foto bien expuesta y con un buen encuadre, no es necesariamente una foto bien hecha. La foto bien hecha es aquella que responde a “tu visión” y que has sabido interpretar y tomar de acuerdo con esa visión con la que la has previsualizado. Finalmente, cuando realizas este sencillo ejercicio, ya sabes donde vas a medir y que zona te va a dar problemas y por ende sabrás como resolverlo.
3. ENCUADRE/COMPOSICIÓN (Cuando el marco de la cámara te impone una determina zona).
Conceptualmente se refiere a determinar que partes de una escena, vas a “recoger” en tu toma fotográfica, buscando la armonía del conjunto. Deberás decidir que dejas fuera. En eso algunos consejos de grandes y experimentados fotógrafos, pueden ayudar.
Lo importante es la geometría, que esté todo en su sitio. Para mí la geometría es la base. La composición debe ser una de nuestras preocupaciones constantes, pero en el momento de fotografiar no puede ser sino instintiva, porque estamos frente a instantes fugaces durante los cuales las relaciones son inestables. Espero que nunca veamos el día en que los comerciantes vendan los esquemas ya grabados en los visores.
Si el disparo es certero, no hace falta reencuadrar. La elección del formato juega un gran papel en la expresión del tema. Si se reencuadra una buena foto se destruye fatalmente este juego de proporciones. Es muy raro que una composición débil en el momento de la toma pueda ser salvada en el cuarto oscuro recortando el negativo en la ampliadora; la integridad de la visión ya no existe. A menudo se oye hablar de «ángulos de toma», pero los únicos ángulos que existen son los ángulos de la geometría de la composición. Esos son los únicos ángulos válidos, y no los que hace el señor que se tira al suelo para obtener algún efecto u otras cosas extravagantes.
4. PÍXELES (Pantalla o impresión) Cuando hablamos de píxeles debemos aclarar si nos referimos a una imagen en pantalla o a una impresa. En el primer caso indicamos el tamaño de la imagen en píxeles; en el segundo, nos estamos refiriendo al número de píxeles por cada pulgada (ppp) o por cada centímetro impreso (ppc) y hace referencia a la resolución de la foto. Esto significa que no podemos decir que una imagen tiene una gran resolución porque tiene muchos Mgpx; tiene una gran resolución cuando hay muchos pixeles por unidad de medida de la foto impresa. Por lo tanto, dos fotos con el mismo número de píxeles tendrán diferente resolución dependiendo del tamaño al que las imprimamos. Podéis encontrar fácilmente en internet los tamaños recomendados de impresión según el número de píxeles de la imagen que deseéis imprimir y, otro factor importante, la distancia a la que vais a ver la foto impresa también influye en la ecuación anterior (a mayor distancia serán necesarios menos píxeles por pulgada para que se mantenga una aceptable resolución).
5. Los halos como síntoma. Al tomar o procesar una fotografía, casi todo son decisiones subjetivas, sea el binomio de exposición, encuadre, composición… lo que no impide la necesidad de coherencia entre las sucesivas opciones elegidas y la pretensión de autor. Ahora bien, cuando entran en juego los consabidos halos, a veces insignificantes y difíciles de ver si no se buscan a propósito, estamos hablando más de un síntoma (que en todo caso ahora sí es un problema objetivo) que de un error en sí mismo: síntoma de un fallo en el procesado, que debiera obligarnos a revisar todo el trabajo realizado, pues tal vez se nos haya pasado por alto algo importante.
Editado, para dar texto en negrita y resaltar la perla.
6. ENCUADRE/COMPOSICIÓN (Los pesos y equilibrios visuales) @jofial y @franvier. De un debate con @Albert sobre una foto cuya distribución de los elementos que la conforman, daba lugar a dudas y criterios distintos. Me percate de que es un tema que se suele tocar poco o nada cuando se habla de composición. Casi siempre nos quedamos con las socorridas reglas de composición pero hay otras que también hemos de tener en cuanta a la hora de componer (podéis tomas como referencia la del debate) A saber:
Objetos más grandes serán más pesados visualmente
Los objetos que se separan de la base, tiene más peso.
Los colores oscuros, pesan más que los claros.
Los objetos con textura -con más textura- tienen mayor relevancia y peso en la composición
La profundidad de campo también contribuye, aunque con eso tengo mis dudas.
Las formas irregulares también tienen mayor peso en la composición.
Y cuando las fotografías que hacemos son en color, además de las anteriores tenemos que tener en cuenta también que:
Transmitimos profundidad enfriando los colores del fondo de la composición.
El color oscuro tiene mayor peso visual que el claro.
El color cálido tiene mayor peso visual que el frío y transmite más proximidad.
Los colores saturados tienen mayor peso visual y visibilidad que los menos saturados. Éstos, además, necesitan más espacio en la composición para hacerse notar. Al contrario de los saturados que obtienen más peso visual sin necesidad de ocupar tanto espacio en la misma.
En las esquinas es mejor no colocar colores muy saturados. En general, debemos no saturar toda la imagen para “descansar la vista” del espectador.
Los colores análogos (ver círculo cromático) transmiten armonía.
Los colores complementarios (enfrentados en el círculo cromático) transmiten mayor contraste.
Esto lo aprendí leyendo foros de fotografia, pero se me ha quedado grabado y lo sigo utilizando. Corto y sencillo. Para algunos será demasiado básico pero quizás ayude a alguien…
**7. Técnica para disparar con riesgo de trepidación. ** Disparar en el momento de soltar todo el aire de los pulmones y a poder ser en ráfaga (normalmente la segunda o tercera fotografía tiene menos trepidación que la primera por el movimiento de pulsar). Sobra decir el intentar apoyar los brazos en algo.
8. FLASH COMO OBTURADOR. Si los parámetros seleccionados en la cámara (diafragma, velocidad de obturación e ISO) generan una exposición en la que no entra nada de luz ambiente, la duración del destello del flash marcará el tiempo de la toma o fotográfica. Este es un recurso muy útil para detener objetos en movimiento.
Cuando iluminamos con flash, la luz que llega al primer plano la controlamos con el diafragma; la que llega al fondo o luz de ambiente la controlamos con la velocidad de obturación. Por tanto, si queremos destacar del fondo el sujeto a fotografiar , utilizaremos una velocidad de obturación elevada para que el fondo salga oscuro respecto al primer plano.
12. CONTRASTE Y ARMONÍA Una imagen interesante está basada en el contraste de los múltiples elementos posibles Vgr. feo/bonito, viejo/joven, ancho /estrecho, mucho/poco, alto/bajo, etc. Cuando no existe contraste decimos que existe armonía. El área limítrofe entre contraste y armonía debemos evitarla (según aconseja la Gestalt) porque da lugar a comunicaciones ambiguas y poco estéticas. (A los interesado en el tema, os recomiendo que leáis la “Psicología de la Gestalt”. En la Wikipedia tenéis una entrada para empezar).
12.bis CONTRASTE Y ARMONÍA En color, la armonía se refiere a la similitud entre tonos de color y es usada frecuentemente como elemento de composición. Tonos calientes vs tonos fríos; colores complementarios; colores análogos que se refieren a la similitud con un color primario; la armonía monocromática se refiere al matiz de los colores respecto a uno principal; la armonía acromática se refiere al B&N y se refiere a las diferentes escalas del gris.
A < K la luz se hace más cálida, tiende al amarillo y naranja.
Lo que llamamos luz blanca (o de medio día) está a 5.500 K, al igual que la luz del flash, de manera que por encima de ese valor tiende a enfriarse y por debajo a calentarse
Para mantener la fiabilidad de los tonos de los colores, debemos equilibrar nuestro WB a la luz que predomine en la escena.
Si queremos enfriar una imagen, disminuiremos los K de la cámara para engañarla y que ella lo compense azulando.|
Si, por el contrario deseamos calentar la imagen, lo que haremos será aumentar los K para que la cámara lo compense hacia colores cálidos.
El formato raw permite hacer una corrección posterior del WB en la edición …. para aquellos que quieran dejar el trabajo para después.